In agenda. Marisa Merz, Hermann Nitsch, Henri Matisse

Cent’anni di Marisa Merz

In occasione del centenario della nascita di Marisa Merz (1926-2019), viene presentata Marisa Merz – La danza delle ore (29 ottobre 2026 - 4 aprile 2027), una mostra diffusa che celebra l’artista nella sua Torino. Una retrospettiva in tre atti senza precedenti, che riunisce un insieme straordinario di lavori – alcuni dei quali inediti – a testimonianza di una vita creativa che continua a essere fonte di ispirazione e riscoperta artistica in tutto il mondo. Il percorso ha origine al Castello di Rivoli, dove, sotto la curatela di Francesco Manacorda e Marianna Vecellio, viene esposta l’installazione E il naufragar m’è dolce in questo mare, presentata nel 1980 alla galleria torinese Tucci Russo e, nello stesso anno, alla 39^a Biennale Arti Visive di Venezia. Il secondo atto si svolge invece alla Fondazione Merz, a cura di Beatrice Merz e Sébastien Delot, che espone il lato più inatteso della ricerca dell’artista, attraverso una selezione di opere organizzate intorno all’idea di processo e trasformazione. Infine, l’esposizione alla Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, a cura di Chiara Bertola e Chiara Parisi, presenta il lato più intimo dell’opera di Marisa Merz attraverso una lettura storica che si focalizza sugli aspetti più quotidiani e domestici della sua ricerca.

Hermann Nitsch alla Crescentina

Dal 27 settembre al 10 gennaio 2027, La Crescentina – Laboratorio per l’Arte, nel Monferrato, ospita Hermann Nitsch: Azione e Pensiero, mostra a cura di Marzia Capannolo con il contributo critico di Lóránd Hegyi. Al centro, la ricerca di Hermann Nitsch (1938-2022), tra i padri dell’Azionismo viennese, che ha fatto del sangue, del corpo e del colore gli elementi di un linguaggio capace di intrecciare mito dionisiaco, sacrificio cristiano e catarsi psicanalitica. Le opere si confrontano con il paesaggio del Monferrato, con le sue stratificazioni geologiche e le tonalità delle argille, in un dialogo tra la materia pittorica e quella del territorio. Un rapporto che richiama la dimensione primordiale dell’arte di Nitsch, concepita come esperienza sensoriale e rito collettivo, oltre i confini della rappresentazione tradizionale. La mostra restituisce così la centralità della materia nella pratica dell’artista, tra corpo, natura e spiritualità.

La stanza di Matisse

Dall’8 ottobre 2026 al 21 febbraio 2027 arriva al Mudec - Museo delle Culture la mostra Matisse. Il mondo in una stanza, curata da Ellen McBreen e Chiara Gatti. Un’ambiziosa retrospettiva che, attraverso 8 sezioni, abbraccia l’intera opera dell’artista, analizzando tematiche chiave nell’evoluzione della sua ricerca. Attraverso dipinti, lavori su carta, sculture, fotografie e una rara collezione di oggetti – il tutto proveniente da importanti collezioni internazionali –, il percorso mette in luce il dialogo che l’artista ha intrecciato con geografie e culture lontanissime tra loro. Al centro della mostra c’è una rivalutazione critica di concetti come alterità, primitivismo e orientalismo, che da sempre accompagnano l’opera dell’artista. Andando oltre il campo della storia dell’arte, Matisse. Il mondo in una stanza mette in primo piano, con precisione filologica, l’ibridazione e la coesistenza di mondi: dalle maschere Gelede Yoruba alle icone russe medievali, fino agli arabeschi islamici e all’abbigliamento rumeno.

J.F. Martel, Rivendicare l’arte nell’epoca dell’artificio, Neri Pozza, Vicenza 2026, pp. 176, € 22.

L’epoca dell’artificio è un mondo compresso, iperestetico ma, allo stesso tempo, fatto di immagini fantasma, ricordi artefatti e sogni sintetici. Le luci intermittenti ci ottundono la vista e finiscono per confondere ciò che vediamo con ciò che realmente guardiamo. È in questo paesaggio saturo che Martel invita a sottrarre l’arte al relativismo estetico e alla logica del consumo, per restituirle una pretesa di verità, diversa da quella della scienza ma non meno radicale. L’opera non serve a divertire, né a spiegare il mondo: lo apre, lasciando emergere quelle realtà immaginali che precedono le categorie della mente. È qui la sua “spaccatura”, il suo essere un complesso quasi autonomo, come intuiva Jung: qualcosa che sembra servirsi dell’uomo più di quanto l’uomo si serva di essa. E, paradossalmente, l’arte è utile proprio quando rinuncia a esserlo.